影响杂志

Nicholas Prior,courtesty Yossi Milo Gallery, New York, and Getty Images.

 

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>   第十一期《影响》杂志曾经介绍过由盖蒂图片社评选出的2007年35位值得关注的新锐摄影师。《中国商业摄影》的记者丛匀对这35位摄影师中的部分新锐进行了追踪采访。从这一期开始，我们将为大家连载这些近距离的访谈。
我相信所有的摄影作品，不同程度上，都落在真实与虚构之间的某个地方。

——尼古拉斯·普莱尔访谈

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采访/丛匀

正如瑞士洛桑艾丽斯摄影博物馆策展人娜塔丽·赫斯多佛（NathalieHerschdorfer）在《新生代：明天的50位摄影师》展上所写：“在尼古拉斯·普莱尔（Nicholas Prior）的所有作品中，他巧妙地营造了一个游移的世界。那是一个童话故事，在这个故事中恐惧与安慰紧密相连。”

   你是如何发现摄影的？摄影给你最初的感觉是什么？
   十几岁的时候，我和我哥哥就拍过超8毫米的电影，那个时候我是个很活跃的艺术家，不过我一直避免摄影是因为我哥哥对此非常感兴趣，所以我觉得摄影应该是属于他的，而我则用其它形式来创作。很多年以后，我借了朋友一个35毫米的相机，并用它拍了一些记录性的照片。我立即就意识到摄影的所谓“真实”是如何被巧妙地回避，甚至产生误导。不久以后，我买了我的第一台相机。那是一个大画幅相机，我自学如何使用它。直到我开始读研究生课程之前我从没有上过一堂关于摄影的课。虽然在我很小的时候，艺术对我非常重要。我也总是自认是一个艺术家，但是我直到读研究生时才开始正规地学习，所以我非常喜欢和感激有那个机会去学习艺术。

   “人的年龄”这组照片是什么时候开始拍的，基于什么原因？
   这个系列开始于我读研究生的时候，我和我兄妹的感情很好，但是我要工作还要去学校，我惟一可以经常和他们在一起的机会就是，如果可以把侄子和侄女放到我的拍摄计划中去。我从不认为我给他们拍的是肖像照。我对模糊成人与儿童之间的差异感兴趣。成人倾向于将儿童简单化，而我以为儿童拥有和成人世界一样的广度和深度。随着这个计划地深入，它变得越来越心理化，我受到了弗洛伊德的《诡异论》（TheUncanny）的影响，最后我所见的儿童与成人成为两个截然不同的人群，只是共同生活在一个空间里。我想象他们以不经意的方式相遇，而彼此观察对方都有点“不对劲”，迷失或是不受欢迎。大多数照片都是在“新英格兰”拍的，就是在康涅狄格和新罕布什尔州的东北部。那个地方对我来说似乎有着自己独特的个性：它看起来很普通也很安静，但是有种历史感和神秘感。

   “无家可归”这组照片是不是一个特别的项目，可以给我们详述一下吗？
   这个项目是我获得的Getty奖金，为西雅图的一个叫FareStart的组织拍摄那些无家可归的人，这个组织的目的就是专门帮助那些无家可归者的。我很高兴获得这个奖金，但是不知道用什么方法去纪录这些无家可归的弱势人群。因为我相信处于那种状况下的人的一个不利因素是，他们对他们的图像完全无法控制。我认为这是最根本的差别，因为大多数人都对自己的照片有足够的控制权；我们会把好的照片留下来把不好的扔掉，而且我们通常不允许不认识的人来拍摄/记录我们。我带着这样的想法和那些无家可归者合作。我用了大概一周的时间与他们相处认识，和他们一起午餐，我请他们帮助找到合适拍摄的人选，我征询这些人的意见：他们想要如何展示自己以及他们认为如何来表现无家可归者这个主题。比方说，有些人选择表现得很自豪很坚定，而有些人则选择强调他们的无助和羞愧。这个拍摄项目的另一个目的是，拓宽人们对无家可归的危机感的认识，展现各种形式的无家可归者。有些人也许完全不符合我们对无家可归的传统定义。比如，那个住在“传统”的红屋子里的男人的照片，他住的那个屋子跟正常的屋子没有区别，但是他只允许在那儿住两个月，两个月内他必须找到工作和另一个住处。不管如何，两个月后，他必须离开那个屋子。整个项目的照片最后在西雅图的Henry艺术画廊开幕，吸引了艺术工作者、摄影迷、无家可归的工人，以及我拍摄的无家可归者（大多数拍摄对象都来了）。这个展览在西雅图的许多地方巡展，包括一些企业和公共场所。

   你自己如何评价“无家可归”与“人的年龄”这两组照片？
   “无家可归”与“人的年龄”这两组照片有些不同。在这些照片中，我尽量不把“摄影作为一个目标”。拍摄“人的年龄”这组照片的动机也不仅仅是拍摄视觉上娱悦我的图像。有些照片是先有想法、一个概念之后再拍的。比如，我对弗洛伊德的《诡异论》很感兴趣；对美术作品和新闻摄影中如何描述孩子、无家可归的人感兴趣。儿童是当代艺术中常见的主题，但是我发现有意思的是，艺术家们试图让孩子显得比他们实际上更无辜或是更早熟。而我相信儿童拥有和成人世界一样的深度和广度，我的目标是创作出那样一种作品来，展示孩子们并不认同大人们所理解和感知的童年时代。因为这种根本上的差异，所以在我的照片中，通过儿童凝视的目光，成年人被重新认识，他们被保持在一定距离之外，好像还没有获得进入儿童世界的权利。而在拍摄那些处于弱势的人们的时候，却是一个奇怪的悖论；他们好像以新闻摄影的方式来展现的，而不是艺术的方式。我想这是因为大多数人相信任何一种方式改变他们所处的真实环境（改变描述他们的方式）可能是对他们境遇的一种不敬。通常，新闻媒介不允许篡改图像，以及干涉主体。但是我认为我的拍摄出于尊严的动机，正如我前面所述，将他们与我们之间的约定俗成的界限打破。与他们的相处，以及允许他们对如何展现自己有一定程度的控制，我觉得非常有意思。

   你曾说：“我对摄影如何迫使世界和人们卷入其中感兴趣。……摄影与世界有种自由的关系……”。在你看来，摄影与真实世界的关系是怎样的？
   我认为，作为一种艺术形式和交流方法的摄影，源自于人们相信摄影代表了一小段“真实”，它为某些事情确实发生过提供了实际的证据。今天人们相信摄影作品可以被篡改或用数字技术改变，但是摄影作品描述了视觉历史的认知却深入人心。因此，我相信所有的摄影作品，不同程度上，都落在真实与虚构之间的某个地方。

   摄影的“真实性”对你有多重要？
   如果你这里所说的“真实性”是指我前面提到的摄影与现实的关系，以及摄影作品是否应当保持原态。如果是这样的话，我不认为他们与“真实性”有什么关系。我认为一个拍摄的想法是真实的，而不是摄影作品。有时候人们试图为不同的摄影实践之间划分界线：艺术或纪实，摆拍的或非摆拍的。因为人们通常不是摄影的专家，而专业人士需要将他们的作品与新手的作品区分开来。但是，摄影正好相反，它是一种源自于大众媒介的艺术形式。一个摄影艺术家要做的事情不是去区分不同的摄影实践（快照、纪录，还是艺术），而是理解这些元素在所有形式的摄影中都普遍存在。从心理学的角度来说，摄影作品的全部或是部份是生活的缩影。我相信我们对摄影作品的反应，某种程度上，是我们对摄影作品中那些在我们拍摄的时候，感受到的、存在于现实中的元素的反应。

摄影师个人网站地址：www.nicholasprior.com/ 

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   本期封面故事介绍了几位国内摄影领域的职业先锋，在这个栏目里再给大家介绍一位国外从事图片咨询工作的专家，他专门为摄影师在图片市场中争取利益。 
 

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一个图片行业咨询师的职业生涯

 

徐雪莉文

   在《竞报》举办的中国图片产业发展论坛上，曾经从事过自由摄影师工作，又举办了引起诸多争议的摄影师见面会的高磊提出：图片社的春天到了，图片评论家的春天到了，但是摄影师的春天还没有到来。

   摄影师的春天为什么没有到来？

   《新财富》杂志最近发表了一篇报道，分析了全球最大的图片库盖蒂的敛财之道。文章的作者认为盖蒂卖照片比亚马逊卖书盈利模式更佳，作者提出图片库的商品的供应者一般以个体（外部的摄影师、电影拍摄者等）而非联盟的形式出现，他们的议价能力相对较弱，这是造成摄影师利益受损的一个重要原因。

    JimPickerel就是一个帮助摄影师议价的世界知名的资深图片行业分析家，他一直活跃在图片经营领域，为世界各地的摄影师提供服务，致力于图片商业化运作的推广。他的经历和他所从事的工作都可以给今天刚刚进入图片市场的中国摄影师以启示。

                 Jim Pickere的职业生涯年表

• 1963年，JimPickerel以一个主要采访远东地区的自由摄影师的身份开始了图片经营的生涯。他的第一笔成功的交易是将以一张表现南越西贡政府倒台的照片卖给生活杂志作为封面。——开始显露图片营销才能
• 接下来的十到十五年的时间，Jim Pickerel从事各种工作，最先是图片编辑，接下来进入了经营领域，从这时开始，他就经常性的与分布在世界各地的图片代理商打交道处理他的照片。随着出售图片在他总收入中比重的不断加大，JimPickerel开始意识到商用图片市场不断增长的需求，于是，他开始花费更多的时间去拍摄、出售商用照片，摸索其中的规律。——从图片编辑领域进入图片营销行业
• 1976年修订的版权法生效，图片经营行业因商业和广告不断增长的需求量而蓬勃发展起来，这时候JimPickerel更加看清了这个行业的巨大潜力，他为之一直做调研工作。——看准图片行业的蓬勃生机
• 80年代初，JimPickerel协助创立了美国媒体摄影师协会（ASMP）亚特兰大分会，并与6年内历任副主席、主席、专项主席等职位。进入ASMP总部后，JimPickerel参与了1983年ASMP Stock Handbook的出版，并在针对美国国税局要求图片经营全部收入变现的斗争中表现活跃。——着手参与制定行业准则，成为游戏规则的制定者。
• 1989年Jim Pickerel 出版Negotiating StockPhoto Prices的第一版，成为数以万计的商用图片定价指南，这本书截至2001年已经出至第五版，成为业界经典著作。——将图片价格透明化，帮助摄影师为自己的照片定价
• 1990年Jim Pickerel 着手出版Selling Stock 原名Taking Stock，这是一本双月出版的内部通讯，内容多是涉及图片摄影师和出售方利益的相关问题，突出的特点是这份出版物很多的关注图片的市场化经营这一领域的问题，由于JimPickerel的不懈努力，SellingStock成为世界公认的图片行业分析领域的领先信息源。1995年他开始运行SellingStock网络版，网址是www.pickphoto.com. 网络版的SellingStock侧重于美国的图片市场，关注与图片摄影师以及图片代理商、图片购买方利益相关的问题。内容每月更新数次，摘要部分可以免费阅读，全文阅读则需要购买密码。订阅用户可以通过接受电子邮件来随时了解SellingStock最新的内容变动，并且可以获得每年六份的每份16页的全年最佳故事，可以自由选择网络版或是纸质。——深度分析图片市场的走向，成为业内舆论领袖。
• 1993年，Jim Pickerel的女儿Cheryl加入了他的事业，他们共同创立了Stock Connection，这家图片代理机构致力于为摄影师提供对本人作品营销过程中最大的参与控制。目前这家公司带理世界各地的超过400名摄影师的众多精选作品，类别主要有生活方式、娱乐、商业、概念、医学、动物、风景、旅游这几大类，同时为用户提供搜索所需图片的功能。——着手建立自己的图片库，开始直接在图片市场上淘金。

           

                   Jim Pickerel看中国

    最近，JimPickerel受邀来中国访问，在他看来，中国图片市场的规模和潜在的增长空间是图片行业的一个值得关注的未解谜团。他认为鉴于中国有13亿人口并且正在飞速成长为一个消费社会，有理由预测中国的广告对图片的需求量将是非常大的。

   中国的图片销售商对每年中国图片销售额大概是2000万达成共识，但是Jim Pickerel发现中国的图片市场存在以下一些问题：

• 图片营销渠道单一。中国图片市场的一半收益大概来自于商用图片销售，另一半则来自于编辑类图片的销售。在美国，图片最主要的用途是直邮广告和宣传手册，但是在中国，直邮广告并不是主要的使用者，对于用于户外广告和日历的图片则有显著的需求量。
• 总收益增长缓慢的部分原因是图片使用费过低。在大城市里，一份大幅的广告图片大约花费200美元，户外广告牌大概是290美元。一份大幅的编辑类图片大概63美元，四分之一页面则是12.5美元。2月份一家中国图片库授权出售了30000张图片（大部分是编辑类图片），但是基于2006年该公司的总收益来计算，这些图片每张的平均价格都少于10美元。
• 免版税的图片在中国销售状况不好，因为对于中国的使用者来说，它们太贵了。另一方面，许多图片销售者为了将图片卖出去，以版权管理的价格出售免版税的图片
• 图片营销的地域狭窄，中小城市市场并没有被开掘。图片销售商说他们的大部分图片被大城市的用户购买使用，比如北京、上海、广州和香港。这些城市之外的潜在消费者认为这些图片太贵了，几乎不买那些主要代理公司的图片产品。

 

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解读寇德卡

千证文

1、寇德卡作品与纪实的关联
我们将寇德卡的作品放在纪实摄影发展的不同时期，放在摄影的基本形态中考虑其作品与纪实的关系。
时代公司1970年出版的DocumentaryPhotography将纪实摄影分四个阶段：
第一个阶段：记录性的图片就是纪实摄影。“如果说纪实照片的第一属性是表现现实世界真相的能力，那么，它的第二属性就是传达摄影家评论这种真相的能力。”这一时期的代表人物是欧仁"阿特热。
第二阶段：照相机是一面镜子，它有反映社会并让世人看到这种反映的能力。用照相机来反映人类生活状况，对社会生活加以视觉评论。
   第三阶段：记录具有特殊时代感的历史瞬间。在我国，这一观点有相当的影响。但书中同时指出：“只能触动社会的良知，而不能改变什么。”代表人物是多萝西亚"兰格。
   第四阶段：对人的精神生活的关注和揭示，成为纪实摄影的表现重点，摄影者的情感体验及对世界的看法成为纪实摄影的关键。对于这类摄影家来说，表现心理感受的真实比简单记录社会真实或视觉真实更重要。
   从纪实摄影的形态看，寇德卡是典型的注重情感体验的摄影者。与别的摄影家不同的是，他表现出的心理感受多是从艺术的角度出发的，与吉普赛人为构图点的摄影行为。而与社会的真实或者记录社会无关，至少在他的主观世界里是没有什么关系的。他的纪实摄影从某种程度上只说是他镜头对准了社会中的人，这些人本身就具有社属性，因此他的作品也具备了纪实摄影中的属性。
结合摄影中的绘画主义、形式主义、表现主义、象征主义、抽象主义等不同的形态特点，冠德卡是受绘画主义、受绘画的形式感影响很大的摄影师。他看过大量的油画，他拍摄的大量静物中充满对构图的迷恋。特别是他后期作品，全然只对静物，对黑白宽幅感兴趣，比如作品《混蚀》。而他的代表作品《吉普赛人》和《入侵》，也充满形式特点。只是与社会热点结合，使之进入了大众传播领域。而同类其他摄影艺术家，或是限于自己的小圈子，或完全放弃个人艺术创造，或已向大众投降。
   值得注意的是，对寇德卡的推崇是西方社会的艺术评价结果，对寇德卡的个性评价也基于此。在艺术倍受重视的社会中，这是一张通行证。

2、寇德卡的作品的鲜明特点：
1）、题材社会化
   《吉普赛人》和《入侵》在寇德卡作品中占着举足轻重的地位。这两部作品一是以吉普赛人的日常生活为题材，一个是以苏联入侵为题材。笔者认为题材社会化是寇德卡的作品在世界流传的一个极为重要的原因。
2）、显著的“冠氏视觉节律”
寇德卡作品构图极为讲究，且惯用手段是三点式构图，通过三个点互相制约、拉扯。在吉普赛人的拍摄中，几乎没有事件发生，当镜前出现符合其视觉节律的画面出现时，快门按下。作品不取决于情节，完全通过图像自身的节律去打动人。三点中某个点尚是空白，他会虚席以待，伫候着想象中的人、狗、车、船的出现。
3）、尽显现个性化摄影特性
如若说“文学存在的理由就在于发现了只有文学才能发现的东西”，那摄影存在的理由也就在于它体现了惟有摄影才能表达的东西。寇德卡的作品，无一不是从黑白摄影的特性出发，通过明暗对比、纹理和质感、影调反差和三点构图这些黑白影像的属性来表达他对世界的看法。即便是在拍摄《入侵》这样新闻性很强的题材时，也是极尽张扬黑白摄影用灰调表现世界的特性。
4）、个人意念强烈
《捷克"1968》这幅作品的背景是两侧高楼下面的一条向远处延伸的马路，寇德卡带着表的手臂置于前景。这是强制性的理念插入。表是人所制造的能看得见的时间，高悬在闹市区上空的手出示着意念：寇德卡本人对都市的疏离与入侵。寇德卡拍过不少以自己身体入画的作品。
“我拍自己的生活……拍我的脚、手表。我累的时候就躺下，如还想拍，周围又没有别人，我就拍自己的脚……我拍我入睡的地方，我驻留的地方。这是我自订的原则……我不想改变别人，也不想改变世界”。
5）、作品广泛进入大众传播渠道
从他第一个有关舞台剧照的影展开始，到《吉普赛人1961－1969》首次在布拉格展出；从他获卡帕金奖到《chaos》一书出版。寇德卡始终没有离开大众传播渠道。尽管他几乎不对外界发表言论，并视自己的作品在大众传播过程中有“妓女一样经历”。

3、主要作品：
1967年，《吉普赛人1961－1969》（GYPSIES）首次在布拉格展出；这一作品1975年由光圈出版社出版，1977年巴黎德尔派出版社出版法文版并获纳达尔奖。
1969年，因其对布拉格事件的摄影作品《入侵》（Invasion），以匿名形式获得了海外俱乐部的罗伯特"卡帕金奖；
1982年，出版《chaos》一书。

 

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行走在寇德卡的故乡
 

文字记录：叶志文 整理：绉绉

   海南摄影师千证，不久前结束了在捷克为期两年的中捷政府互派访问项目。他在2006第四届广东新闻摄影记者年度作品评选会上展示了自己在访问学习中拍摄的作品《行走在寇德卡的故乡》，其间谈起自己对摄影的态度和看法。
   据千证介绍，访问期间他主要在捷克建筑与艺术设计学院的摄影专科进行学习，主要研究内容是捷克著名摄影师寇德卡。寇德卡的许多作品对国内摄影师不算陌生，他关注寇德卡，是想探究一个早早成名的摄影师，为何作品有经久不衰的魅力。
   因为寇德卡现在长期居住法国，偶尔才回布拉格。尽管与寇德卡本人直接交流的愿望没有实现，千证通过这个契机，直接参与了所在摄影系的一些教学活动。他的导师主要从事艺术摄影，但是对寇德卡却很熟悉。这不奇怪，如果一个从事视觉创作或研究的人，以方向和兴趣不同为由，画地为牢，对自己国家或所在之处的同行漠不关心，或者一无所知，才是令人惊奇的事情。
   当千证第一次把自己认为不错的作品展示给老师们看时，近半数的片子当场被导师当众撕毁！这个突如其来的打击，直到后来慢慢的交往，千证才逐渐理解其中的原因：一个进行过专业技术训练摄影师，如果在自己的照片中还存在景深、焦点、反差、质感等技术控制问题，意味着你缺少最基本的素质。这样的前提下进行创作或研究，在他的导师看来是不可思议的事情。
   结合评选会现场前面的活动，千证认为，现场有很多专业摄影师，但是如果让大家拿自己的作品去展示，也许很多人没有底气说自己是一个专业的摄影师。中国摄影发展到现在，许多方面和国外的水平相差不多，最大的区别是怎样学习的问题。他介绍他所在的那个班级，19个学生，学制五年，有四年半的时间是在接受最苛刻的训练，用8*10的相机，从冲到洗，到印制，所有的技术环节都是自己控制。
千证在展示幻灯的同时，向大家介绍了他所理解的寇德卡：
   “寇德卡是一个主观性很强的人。我们把他认为是纪实摄影家，但他个人认为他与纪实、报导毫无关系。他只是在寻找他内心的、完全符合社会特性的东西。如果我们看过他近期的作品，如画册《混浊》，几乎很多人觉得没有什么意义，或者没什么意思。但那个画册却是代表他内心的东西。
   “到目前，我认为他对我们影响最大的是《吉普赛人》这本画册。我了解的情况是他对吉普赛人感兴趣，对吉普赛人的音乐和生活方式感兴趣。他拍摄吉普赛人和苏联入侵，于是有人便把他列入纪实摄影或报道摄影的行列。实际上，他只对自己的摄影形式负责，而跟社会无关，跟他的历史责任无关，完全是寻找他内心的影像。寇德卡镜头前的所有东西，不管是人、物或是其他，对他来说，只要符合他心中的影像，完全是从影像本身出发的影像。他和萨尔加多的作品相比，萨尔加多的作品多一些世俗的东西，这世俗的东西在于他关心了他的内容，比如说劳动者、移民等等。”
   千证展示的是一组街头完成的作业，是经过他导师挑选出来的片子。他向大家解释其中一些片子，体现出不同的影像观念。比如一张照片，一个孩子站在一个现代雕塑旁，千证认为这个影像能反映捷克人中规中矩的传统，而导师则是看中了小孩的皮鞋很漂亮，并能体现莱卡的质感。千证觉得这种“对影像的要求非常的独特，有时会让人吃惊，有时让人感动。”
   接着他谈到影像的解读问题。不同的人对同一个影像有不同的解读，一个好的影像，沟通起来应该不难。他认为王刚的作品在荷赛获奖，是中国摄影师参加荷赛的历史性突破，在于此前几乎靠题材取胜，这个是影像取胜。
   千证最后的一段话，让在场很多人回味：“我待了这么长时间，最强烈的感受是我们太把照片当一回事了。其实没必要，不要给它负重太多的东西，比如说社会责任、记录历史等。其实对于搞影像的人来说，特别是从事基础训练的人，我们又不是什么大师，又不是什么知名人士。对西方人来说，他们把满足自己需要，给自己愉悦，放在第一位。就是我高兴怎么拍就怎么拍，我想怎样就怎样。我觉得我们就是缺少这种东西。靠照片挣钱，靠照片养家糊口，靠它出名，靠它升官发财，我觉得这对它太多企图了。反倒不如简简单单的，自己感到愉快的拍摄，可能会更好一些。”这也是对乐于参加和评价各种国际国内摄影比赛的现象的一种回答。

 

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   职位变动不是新闻，为什么发生变动才是新闻，这是江湖这个栏目给各位提供摄影职场变化信息的核心思路。秉承这一理念，我们在本期推出特稿，对当下年轻摄影记者面临的职业发展的困惑予以报道。这篇文章没有答案，因为这个行业正处于一个庞杂的社会现实中不断发生变化，也希望对此有感触的朋友写信和我们交流。

 

 

转型与阵痛

            ——摄影记者生涯的忙与盲

       

 

   京华时报的图片编辑王海欣辞职了，做出这个决定并不容易，中间经历了长达半年的思考，在和图片总监骆永红提出辞职申请的那一刻，他觉得自己似乎终于可以卸下沉重的包袱。

   我们联系采访王海欣的时候他正在外地旅游，这大概也是一次酝酿已久终于实施的计划。一直处于休息状态的他现在依旧会去扫街，但那是节奏缓慢地拎着相机在街上漫步，他说自己有中关村和清华情结，现在终于可以有时间好好打量这一切了。谈及对即将走入这个行当年轻人的忠告，他的建议却是：“注意身体”。因为他的胃已经被没有规律的生活搞坏了。

   就在王海欣旅游的时候，刚刚获得荷赛等多个奖项的年轻摄影师张涛，受阿历克西亚新闻摄影基金会的邀请，在由基金会和中国人民大学合办的研讨会上发言。他发言的主题是年轻摄影师的困惑，谈到摄影记者可能在一天之内跑8个活，而且大都是跳楼车祸等周而复始的社会新闻，谈及自己必须把全部生活奉献给工作，当你在拍摄情人节新闻的时候可能会冷落自己的女朋友，前来听讲座的年轻摄影师禁不住鼓起掌来。

   担当翻译的是人大一个年轻的女孩，现场气氛如此热烈，她却不得不紧张地为“扫街”这样的专业词语寻找合理的英文解释。“会不会有些过了？”有人发出这样的嘀咕。但是作为曾经的美联社主任、美国新闻报摄影部主任，这些业内资深人士甚至不用过多的翻译，立刻明白了眼前这个年轻人在讲什么。后来，他们一直对张涛的发言念念不忘，他们说，这是这一行业的普遍状况。基金会主席幽默地问：“各位专家有什么解决办法呢？”，但是回答他的只是无可奈何的笑声。

   在世界范围内，摄影记者的工作都在面临转型和挑战。2004年，马格南以及美国新闻周刊的摄影记者LucDelahaye向外界正式宣布，他不再是一个摄影记者而是一个艺术家。这个消息可能让很多人感到震惊，因为Luc一直是一个非常出色的战地摄影师。

   已经将自己的工作重心从传媒转向画廊的Luc道出了其中的原委，今天的摄影记者面临两个挑战，一个是经济上的压力，你想做一些深度的选题，但是你找不到可以刊发的媒介；另一方面是摄影文化的挑战，“摄影记者正在对他们所从事的工作产生质疑？他们是否真的具备反映现实的能力，这是数字技术带来的问题，相机的操作越来越简便，尽管摄影记者仍然可以做一些后期的调整，比如剪裁、调色，但是他们已经失去了胶卷和暗房。摄影工作从前是作为一门手工艺存在，现在，大部分工作却被机器替代了，那种无根基的感觉自然会油然而生。”从前，用影像表现世界，但是现在世界已经变成了影像，职业摄影记者的工作被逼到了墙角。

   摄影记者面临的压力还不仅如此，在美国，你必须还要掌握动态视频报道的技巧才能在摄影部里站稳根基，最近美国弗吉尼亚理工大学校园枪杀案的报道中，最出风头的不是摄影记者，而是一个用诺基亚手机录下现场警察紧急救援枪的小伙子。

   从静态到动态，从胶片到数字，后面还有无数业余摄影师成为追兵，快，再快，今天的年轻摄影记者已经没有喘息的时间。

   中国年轻摄影记者的日子可能更加茫然，因为所有的机遇似乎还在孕育之中。比如，数字技术带来的变化在美国已经趋势非常明显，但是中国的报纸还是老样子。再比如，当你厌倦了给报社干糙活儿，想把画面拍摄得更加精美，你会发现难以找到一个像样的杂志作为平台。

   一个非常现实的情况是，报社摄影记者的工作完全是吃青春饭，跑动积极是制胜的法宝。很多摄影记者干了三五年，可能连一张符合杂志使用的环境肖像都拍不出来，因为他们不会用闪光灯，他们的报纸也不需要他们在技术上有更进一步的发展。

   当优秀的摄影记者遭遇这样的职业瓶颈的时候，他能有怎样的选择？

   王海欣认为自己是一个笨人，喜欢在慢节奏中工作。他选择了辞职，下一步究竟干什么，他还没有想好，目前的计划是学好语言，法语或者英语，此外他很想以图片社为平台，拍摄一些深度的报道。也许这样的轻松日子之后不久，他还会面临生活的压力，但是他至少得到了精神上的释放，并且开始认真思考一些问题。

 

   王海欣的博客地址：http://wanghaixin.blog.sohu.com/

 

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>    这期《影响》估计大家可能要花些时间仔细看，因为我们包了一个大礼包送给大家。

   《影响》每期的封面故事都不会让读者失望，《职业先锋》这篇文章讲述了几个在摄影领域从事新职业的年轻人的故事，他们是插图摄影师、网站图片编辑和图片销售。新职业是随着摄影文化的变迁而诞生的，同时也代表着摄影新的发展趋势，希望这篇文章能带给您启示。

   前不久在北京刚刚召开的阿历克西亚新闻摄影研讨班，可能让很多身处外地的摄影师朋友干着急，由于《影响》和主办方中国人民大学有着密切的合作关系，凭借天时地利，我们为您实录了整个研讨班的精彩演讲，放在“特别报道”栏目里。

《影响》曾经介绍过盖蒂图片社评选出来的未来值得关注的35位年轻摄影师（见11期外面栏目），《中国商业摄影》杂志的刘丛匀对其中一些摄影师进行了专访，我们将独家连载这些访问，并且刊登他们的作品。（见本期“视线”）

   “江湖”这个栏目是我们的特色，本期除了介绍一些人事变动信息，还推出了一篇职场分析文章《转型与阵痛——摄影记者生涯的忙与盲》，特别推荐大家阅读这篇文章，并且和我们就这个话题交流。

   此外“在路上”这个栏目里给您介绍一位刚刚从捷克游历归来的海南摄影师的作品和他对寇德卡的解读。“幕后”栏目中实录了广东摄影记者研讨会中对荷赛的研讨。“新思路”则描述了一个图片咨询师的职业生涯。

   好了，不多说了，开始享用《影响》奉上的信息大餐吧。

 

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